В некоторых театрах есть так называемые ЛИТЕРНЫЕ ЛОЖИ, почти вплотную примыкающие к сцене.
Другие определения (вопросы) к слову «спектакль» (43)
- От беби-театра до интерактива на сцене: пять типов детских спектаклей - ТАСС
- До начала спектакля
- Как называется то что показывают в театре?
- Театр. представление ☆ 9 букв ☆ Сканворд
Действие в театре
Так называются ложи в театре, расположенные по бокам зрительного зала на уровне сцены или партера. Первым провозвестником современной монтажной структуры в театре стала «Мистерия-буфф», определившая новый путь создания современного театрального действа – монтажный. Это помещение называлось аванложей. начало) - первое или пробное публичное выступление начинающего артиста на сцене. выступление театра вне места постоянной деятельности. Действием называется также законченная часть пьесы, спектакля. Действие в театре. Действие — средство выражения в актерском искусстве, подобно тому, как звук — средство выражения в музыке, цвет — в живописи, слово — в художественной литературе.
Сценарий в театре
По мере прохождения игроки открывают новые уровни, сталкиваются с головоломными головоломками и получают награды. Пожалуйста, проверьте все уровни ниже и постарайтесь соответствовать вашему правильному уровню. Если вы все еще не можете понять это, оставьте комментарий ниже, и мы постараемся вам помочь.
В работе драматурга над разговорной пьесой сценарием называется схематический план пьесы — изложение ее фабулы, в котором более или менее точно и конкретно намечены последовательность и содержание отдельных сцен будущей пьесы и темы разговоров действующих лиц.
Руководствуясь таким планом, драматург затем разрабатывает полный текст пьесы. Следует различать: 1 либретто для зрителя изложение содержания идущего в театре спектакля, которое обычно печатается в театральной программе и 2 авторское либретто для постановки особого вида пьеса для балета или оперы. Здесь и в дальнейшем речь идет именно об авторском либретто.
При работе над пьесой между авторами возможно разделение труда: один — в форме сценария разрабатывает фабулу пьесы, подробный план ее сценической композиции, другой — разрабатывает диалоги действующих лиц. Такая практика иногда имеет у нас применение в драматургии «малых форм»: одни авторы сценаристы пишут сценарии будущих постановок, другие которые называются «текстовиками» пишут разговорный текст к этим сценариям, тем самым превращая их в пьесы законченной формы.
Theatrum, Театр.
В Риме должностное лицо выплачивало поэтам гонорар за их новые пьесы, раздавало жалованье актерам, которые, кроме того, получали особенные награды и подарки; надзор и забота за всеми теми приготовлениями, которые были необходимы для представления пьес на сцене, как, напр. В этом ему помогали подчиненные лица; во-первых, designatores, которые, будучи расставлены на различных пунктах театра, наблюдали за тем, чтобы каждый зритель занимал и получал место в назначенном для него отделении; они вообще должны были предупреждать беспорядки между зрителями и прибегали при этом, вероятно, также к помощи дикторов; во-вторых, conquisitores, которые должны были препятствовать образованию партий в публике и стараться приискать наемных рукоплескателей. Кроме того, в театре находился рrаесо, который приглашал зрителей молчать и быть внимательными.
Во времена Империи число театральных чиновников было значительно увеличено. Обязанность давать сценические представления лежала всецело на курульных эдилах и praetor urbanus, между тем как государство не принимало на себя никаких расходов. Претор не мог также делиться обязанностями и издержками ни с кем из товарищей по должности, тогда как оба эдила устраивали представления то сообща, то каждый отдельно.
Относительно места представлений, сцены и ее устройства см. Что же касается до состава труппы, то представляющий и действующий персонал в греческих трагедиях и комедиях делится на хор и актеров?????????? Относительно хора и его устройства см.
Относительно же актеров нужно прежде всего заметить, что сценическое исполнение трагедий и комедий актерами отличается от современных приемов, во-первых, главным образом тем, что все роли, даже женские, исполнялись мужчинами, а именно не более как тремя актерами. Причиною того, что актерами могли быть одни мужчины, было то, что в праздничных хорах дифирамбах , из которых собственно произошла драма, женщины никогда не участвовали. Таким образом, и театральное, сценическое искусство перешло в руки мужчин.
Ограничение же числа актеров известной нормой объясняется тем, что драмы представлялись в состязаниях, вследствие чего было необходимо дать состязающимся поэтам по возможности равные средства. Государство, чтобы быть справедливым и не давать одному из поэтов преимущества перед другим за более пышную обстановку, и также для того, чтобы судьям, присуждавшим награду, дать возможность решать на основании определенных данных, должно было назначить определенное число актеров. У Эсхила и его современников были сперва только два актера, третьего, которым впоследствии воспользовался и Эсхил, ввел Софокл; о дальнейшем же увеличении числа актеров нигде не упоминается.
Эти три актера, которые должны были распределять между собою и исполнять все роли пьесы, называются частью по отношению к состязанию, которое происходило также и между ними, частью по поэтическому значению и обширности взятых на себя ролей:????????????? Главная роль принадлежала протагонисту; он представлял действия и судьбу главного лица, в котором особенно рельефно выражалась идея всей драмы. Рядом с ним девтерагонист развивал те контрасты, которыми обусловливался и дополнялся характер главного действующего лица; он получал роли второй степени и во многих случаях был полным контрастом протагониста, напр.
Тритагонистам, как кажется, доставались главным образом те роли, которые служили поводом к борьбе и страданиям????? Нельзя, впрочем, с определенностью сказать, какими принципами и какими правилами руководствовались в отдельных случаях поэты при распределении ролей. Однако почти несомненно, что они старательно заботились о том, чтобы актер, игравший главную роль, не отвлекался от своей задачи исполнением второстепенных ролей и чтобы одна и та же роль по возможности исполнялась одним и тем же актером, далее, чтобы разные роли того же актера по содержанию и тенденции находились в определенных взаимных отношениях, представляя или единство, или же контраст.
Слова Полидевка, что протагонист выходил на сцену через среднюю дверь задней декорации, девтерагонист — через правую, а тритагонист через левую, можно принять за правило, хотя, разумеется, из него бывали исключения, когда содержание пьесы и роль актера этого требовали. Иногда, впрочем, все-таки случалось, что число трех актеров оказывалось недостаточным для того, чтобы представить на сцене всю пьесу, и тогда местами требовалось усиление действующего персонала. В таких случаях хорег был обязан приглашать четвертого актера, который выступал во второстепенной роли там, где каноническое число трех актеров оказывалось недостаточным напр.
Эта сверхштатная помощь называлась???????????? Мы знаем только немного случаев появления этого четвертого лица на сцене; это служит доказательством, что оно не допускалось часто. Кроме актеров, на сцене являлось еще несколько статистов,?????
Цари и герои всегда выступали в сопровождении нескольких слуг, женщины — в сопровождении прислужниц. Эти сопровождающие лица назывались?????????? Поставлять эту свиту лежало также на обязанности хорега, и она иногда была, без сомнения, весьма многочисленна и нарядна.
Особенность и роскошь костюмов греческой трагедии и комедии находится в тесной связи с происхождением и целью самих театральных представлений в Афинах. По своеобразности покроя и яркости цветов театральный гардероб был скорее нарядом для праздника Диониса, чем театральным костюмом.
Через его окна зрители и смотрят действие. В театре могут научить работать с тенями. А потом показывается несколько коротких постановок, в которых дети сами могут принять участие. По словам Плутахина, такой театр теней может научить мыслить шире, он развивает фантазию. Дети становятся более изобретательными и понимают, что в мире искусства возможно все. Музыкальные постановки Прививать детям любовь к классическим музыкальным постановкам через оперы Большого театра или концерты филармонии довольно сложно. Для подвижных и любопытных малышей сидеть два часа на одном месте может быть настоящей пыткой. Театры же предлагают варианты, которые будут привлекательны маленьким зрителям.
Например, в "Студии Театр Т" очень просто, кратко, в игровой форме рассказывают сюжеты опер. Спектакль "Призрак оперы" рекомендуемый возраст от 8 до 14 лет родился из музыки Глюка, Моцарта, Глинки и Бизе. Авторы постановки взяли музыку из опер "Орфей и Эвридика", "Волшебная флейта", "Иван Сусанин" и "Кармен", чтобы кратко рассказать сюжеты этих произведений. Для каждой истории создатели использовали свою световую технику и специальные компьютерные технологии, создавая декорации на большом экране прямо во время спектакля. В нем нет ни сюжета, ни декораций. Только один актер, который под музыку второго концерта Сергея Рахманинова с помощью собственных рук разыгрывает драмы: его пальцы превращаются то в кроликов, то в ящериц, иногда они показывают морской прибой и парящих чаек, а иногда — ссорящуюся влюбленную пару. Это добрая сказка о нотках-хулиганках, которые пытаются поладить, чтобы сложиться в мелодию. Никто из маленьких зрителей не останется без внимания: каждому на ладошку сядет бабочка, каждый сможет прикоснуться к ноткам на сцене. Более того — в конце спектакля разрешается трогать все что угодно, даже расставить нотки в своем порядке а эту мелодию потом исполняет музыкант. Маленькие посетители, как правило, начинают носиться повсюду, чтобы успеть попробовать поиграть на всех инструментах, которых там немыслимое количество: дуделки, свистелки, трещалки и так далее.
Классика с моралью С 10—11 лет детей уже можно водить на серьезные постановки в драматические театры. Эксперты считают, что именно в этом возрасте дети уже могут концентрироваться на сюжете и способны "высидеть" спектакли по два часа. Им уже можно показывать педагогические спектакли, где можно извлечь урок для себя.
ТЕАТРАЛЬНЫЕ ПРЕДСТАВЛЕНИЯ
| CodyCross Представление, постановка в театре ответ | Иногда импровизацией называют. |
| Что такое антреприза? | Название этого театрального жанра образовано от итальянского слова «buffonata», которое означает «шутовство». |
Театральное зрелище
| Словарь-справочник "Виды и жанры театра" | 7. Как называют набитого соломой комического персонажа итальянского театра? |
| Сценарий в театре | Ответ на вопрос "Театральное представление ", 7 (семь) букв: зрелище. |
| Театральное зрелище 9 букв | ведущий концерта, или актёр, выступающий с отдельными комедийными номерами. |
| Театральное представление | театр – (от греч. theatron — место для зрелищ, зрелище), род искусства, специфическим средством выражения которого является сценическое действие, возникающее в процессе игры актера перед публикой. |
| Основные театральные термины | выступление театра вне места постоянной деятельности. |
Азбука сценического искусства. И – интермедия
Человек театра, Товстоногов попытался перевести представления о жанре на театральный язык, соотнести их с практикой сцены. Действием называется также законченная часть пьесы, спектакля. Действие в театре. Действие — средство выражения в актерском искусстве, подобно тому, как звук — средство выражения в музыке, цвет — в живописи, слово — в художественной литературе. Наверное, самый маленький театр в Москве — это театр "Тень": спектакли там могут быть рассчитаны всего на двух-трех человек. За билетами на его постановки выстраиваются целые очереди, из-за количества желающих ждать можно до года. В Россию интермедии пришли в XVI веке и получили наибольшее распространение в XVII-XVIII веках в так называемом «школьном театре» – театрах при духовных учебных заведения.
Амплуа, интермедия, мизансцена: 10 театральных терминов
Были записи с подсъёмкой натуры или со вставками кинохроники» [21]. В конце 1970 года в Главной редакции литературно-драматических программ Центрального телевидения был создан отдел фондовых театральных спектаклей, с тем чтобы сохранить лучшие театральные работы [20]. Спектакли снимали специальные телевизионные режиссёры, иногда при участии создателей театральных постановок [22]. Отдел фондовых спектаклей за 20 лет своего существования запечатлел на киноплёнке около 200 спектаклей различных театров [22].
Правда, делал это нередко для архива, по телевидению в 60—70-е годы спектакли ведущих московских и ленинградских театров демонстрировались редко: администраторы театров именно с расширением телевизионной аудитории и демонстрацией спектаклей по телевидению связывали падение кассовых сборов [22] [23]. Фильмы-спектакли на телевидении ставили такие известные режиссёры, как Георгий Товстоногов , Анатолий Эфрос , Евгений Радомысленский , и многие другие [24] [25] [26]. В годы реформ отдел прекратил своё существование; но трансляции театральных постановок по телевидению на телеканале «Культура» впоследствии возобновились; видеозаписи по трансляции создаются и в настоящее время [27].
Один из самых известных в мире радиоспектаклей — «Война миров» Орсона Уэллса по одноимённому роману Герберта Уэллса : поставленный в форме репортажа и вышедший в эфир 30 октября 1938 года, спектакль вызвал панику в Соединённых Штатах [31]. Спектакли на радио ставили и театральные режиссёры, в том числе Всеволод Мейерхольд , и даже кинорежиссёры, как, например, Андрей Тарковский — « Полный поворот кругом » по новелле У. Фолкнера 1965 [32] , но гораздо чаще — специальные радиорежиссёры, в совершенстве владевшие спецификой радиотеатра, как легендарная Роза Иоффе или Осип Абдулов , на счету которого более 200 режиссёрских работ на радио [29].
Мейерхольд после первой попытки исполнить перед микрофоном фрагменты из спектаклей ГосТиМа признал: «Этому в день не научишься» [29]. Чтобы адаптировать к радиовещанию спектакль «Дама с камелиями», начать пришлось с переработки самой пьесы. Радиоспектакль предъявлял особые требования и актёру, в распоряжении которого оставалось только одно средство выразительности — его голос, и режиссёру; как говорила Р.
Иоффе, «слушатель должен увидеть то, что мы ему играем» [29]. Радиотеатр рождал свои шедевры, по большей части забытые в постсоветскую эпоху.
Иногда в театрах используют белый задник, края которого шире обычного задника. Их подворачивают по направлению к зрительному залу. Такой задник используется для видеопроекции и называется в театре «горизонтом». Где-то он выкрашен в черный цвет, где-то нет. В большинстве театров планшет закрывают половиком.
Это сшитые продольно длинные полосы черной или темно-серой плотной ткани. В зависимости от художественного решения половик может быть темным или расписным. Если в спектакле используется поворотный круг, то для спектакля шьется специальный половик из двух частей: одна покрывает сам круг, другая все остальное пространство сцены, открытое для зрителя. Иногда ее называют «просцениум». Там во время спектакля проходят артисты и технические службы, там хранятся части декораций. Иногда пространство арьерсцены используют в спектаклях: арьерсцена помогает создать эффект глубины сценической коробки. Немного расскажу о том, что скрыто от зрителей в сценическом пространстве.
Кулисы, падуги и все, что оказывается в сценическом пространстве, подвешивается на штанкеты. Диаметр такой трубы — 7-8 см. Длина в каждом театре своя, главное, чтобы края штанкета уходили далеко за порталы на 1,5-2 метра. СОФИТЫ — группы фонарей и сценических прожекторов, расположенные прямо над сценой по нескольким параллельным планам. РАМПА — группа фонарей, расположенных по краю авансцены, освещающая первый план сценического пространства. Их часто путают с отделениями, поэтому запомните: в театре —действия, отделения бывают в концертных программах и в цирке. ПРОЛОГ — самая первая картина сценического действия, которая вводит зрителя в курс дела, объясняет жанровые особенности спектакля, своего рода, правила игры.
Происходит от французских слов «между» и «акт». Антракт предназначается для отдыха зрителей и артистов За время антракта часто меняются декорации. Поворачивается круг на сцене, и при зажженном свете действие продолжается в другом месте — был зал в доме, теперь берег реки.
Интермедия возникла в XV веке в европейской литургической драме, посвящённой в первую очередь рождественским праздникам. Под влиянием площадного театра в этот строгий религиозный жанр стали проникать бытовые темы и мирской язык. Это сильно повышало популярность евангельских постановок, но допускать нарушения канонов церковь не могла, поэтому подобные эпизоды были резко разграничены с основным действием.
В конце концов и сама литургическая драма была выдворена из церковного пространства на паперть. Так началось её превращение в мистерию. К участию в представлениях стали допускать мирян, а постановки приурочивались не только к религиозным, но и городским праздникам, которые могли длиться по несколько дней. Эти факторы, помноженные на зрительскую поддержку простонародья, привели к значительному увеличению количества вставных эпизодов, которые эмоционально стали перевешивать пафос основной тематики. В итоге их стало так много, что они переродились в отдельный жанр — фарс от лат. При этом в первоначальном качестве вставных номеров интермедии существовать не прекратили.
Например, «Рок-опера Иисус Христос суперзвезда» объединяет в себе элементы рока и оперы, а «Мюзикл Король Лев» указывает на жанр мюзикла. Также, именование музыкальных постановок может быть связано с их историческим или культурным значением. Например, постановка «Метрополитен Опера 50 лет» отмечает юбилей Метрополитен-оперы и ее вклад в мировую музыкальную культуру. Наконец, название музыкальной постановки может отражать ее основную тему или идею.
Например, музыкальная постановка «Лес Морейн» рассказывает о приключениях главного героя в загадочном лесу. Моноспектакли и их названия Популярные моноспектакли: 1. Главный герой олицетворяет музыку и искусство, создавая уникальное звуковое и визуальное шоу. Он использует слова и выражения, чтобы сформировать историю, подчеркнуть свои мысли и вовлечь зрителя в эмоциональное путешествие.
Уникальность моноспектаклей Моноспектакли представляют собой уникальное сочетание актерского искусства, режиссерского творчества и сценического дизайна. В них особенно важна эмоциональная связь актера с присутствующей на сцене публикой. В названии моноспектакля может быть отражена его основная тематика, идея или сюжет. Они могут привлекать внимание зрителей своей оригинальностью и символичностью.
Моноспектакли умело сочетают драматические и комедийные элементы, давая зрителям возможность окунуться в разные эмоциональные состояния. Выступление актера на сцене один на один с публикой создает особый контакт и сопереживание, позволяя зрителям более глубоко погрузиться в мир спектакля. Моноспектакли и их названия — это не просто гордость и достижение актера, но и возможность для зрителей погрузиться в уникальную театральную атмосферу и насладиться высоким искусством исполнения. Терминология театральных выступлений Спектакль Одним из главных понятий в театральной терминологии является «спектакль».
Спектакль — это конкретная постановка, в которой актеры играют определенные роли, передают определенный сюжет и создают определенную атмосферу. Актерская игра Актерская игра — это искусство передачи эмоций и создания образов на сцене. Актеры используют различные техники и методы, чтобы воплотить свои роли и убедительно передать сюжет. К актерской игре относятся мимика, речь, жесты, пластика тела и многое другое.
Монолог — это выступление одного актера на сцене, в ходе которого он передает эмоции, мысли или рассказывает историю. В монологе актер может быть как один на сцене, так и сопровождаться различными декорациями и музыкой, в зависимости от режиссерской идеи.
Похожие вопросы в кроссвордах и сканвордах
- Вид исполнительского искусства - представление на сцене небольших драматических 7 букв первая Э
- Как называется то что показывают в театре? - Гид туриста
- Премьера — первый показ
- Как называется театральное представление?
- В зрительном зале
«Азбука театра». Словарь театральных терминов. Номинация: Театр
Когда в театре создают новый спектакль, то первым публичным показом его называют премьерой. 9. Как в театре называется коллектив актеров. 10. Как называется основная форма подготовка спектакля путем многократных повторений. Наверное, самый маленький театр в Москве — это театр "Тень": спектакли там могут быть рассчитаны всего на двух-трех человек. За билетами на его постановки выстраиваются целые очереди, из-за количества желающих ждать можно до года.
Театральные термины, которые важно знать перед походом в театр
Спектакль (фр. spectacle, из лат. spectaculum «зрелище») — театральное зрелище, представление, произведение театрального, сценического искусства; может ставиться как на театральной сцене, так и на радио (радиоспектакль) и на телевидении. Хорошо всем известный сайт Википедии говорит, что антреприза является особой формой организации театрального дела, в котором организатор (организатора называют "антрепренёр") приглашает для участия в спектакле актёров из различных театров. Данная категория содержит специализированные слова («Театральные термины»), в описании значения которых есть помета {{театр.}} с указанием языка. Страницы в категории «Театральные термины/ru». Показано 139 страниц из 139, находящихся в данной категории. Выразительные средства театрального искусства театр. с, последняя - ь). процесс полного создания спектакля, включающий все театральные компоненты.
Что такое театральное представление?
Мелодрама считается более поверхностной, чем драма и рассчитана в основном на женскую аудиторию. К монодраме относится: пьеса-монолог, драматические миниатюры, построенные в форме разговора с безмолвным персонажем. Также монодрамой называют драматическое произведение с двумя и несколькими действующими лицами, роли которых исполняет один актёр Ваши презентации на уроках, защита каких-либо проектов, когда вы удерживаете внимание зрителей, отдаленно напоминают этот театральный жанр. Musical от music — музыка — это музыкальный жанр. Он появился в США в конце 19-го века. Здесь важная роль отводится хореографии отличается особой отточенностью актёрских действий.
Также составляющимиэлементами данного жанра является: музыка, песня, диалог. Данный жанр очень сложный в плане постановки и при этом весьма дорогой за счёт спецэффектов. Мюзикл имеет много поклонников. Это всегда яркое действие с танцами, песнями, интересным сюжетом и долей юмора. Все эти и многие другие жанры в какой-то степени повлияли на развитие мирового театрального искусства.
Именно поэтому, благодаря такому разнообразию зритель видит сегодня театр таким, какой он есть: ярким, интересным, глубоким и увлекательным. Домашнее задание: напишите в комментариях к какому жанру вы бы отнесли спектакль, просмотренный вами в этом учебном году в театре или в школе? Наш урок подошел к концу. До свидания! Количество просмотров: 1 777.
Позже, с официально признанным направлением «социалистического реализма» и требованиями «крупномасштабной» тематики театрального искусства, жанр мелодрамы в Советском Союзе стал считаться «низким» и «второстепенным». Мейерхольда — Дама с камелиями и др. Однако в целом мелодрама переживала период забвения; на материале советского периода скорее можно говорить лишь о мелодраматических мотивах некоторых пьес, причем — драматургов не самого высокого уровня. Пожалуй, единственным исключением из сложившегося отношения к мелодраме в советский период стало творчество драматурга А. Арбузов последовательно работал в жанре мелодрамы на протяжении всей своей творческой жизни, отстаивая его принципы не только в пьесах, но и в статьях и интервью. Правда, в пьесах А. Арбузова авторский жанр, как правило, обозначался иначе — «драма», «драматическая хроника», «диалоги». Тем не менее, именно драматургию А. Арбузова можно считать ярким примером целенаправленной изящной разработки мелодраматического жанра. В современном театре, с его тенденцией смешения жанров и развития многообразных межжанровых течений, мелодрама практически не встречается.
Это вполне закономерно: наивность как мировоззренческая категория уходит в прошлое; черно-белые краски окружающей действительности, так свойственные мелодраме, уступили место многоцветной и пестрой картине мира. Показательно, что даже пьесы А. Арбузова, до сих пор появляющиеся в репертуаре современных театров, переосмысливаются режиссерами в совершенно иных жанрах — трагикомедии, драмы, трагедии. Менестрель-шоу или минстрел-шоу — форма американского народного театра XIX века, в котором загримированные под негров белые актёры разыгрывали комические сцены из жизни негров, а также исполняли стилизованную музыку и танцы африканских невольников. Несмотря на то, что традиция гримироваться под негров имела место среди домашних спектаклей белых переселенцев в Америке ещё в конце XVII века, как цельная форма развлекательного искусства менестрель-шоу развились в конце 1820-х гг. Толчок к популярности менестрель-шоу дали представления Томаса Дартмута Райса, в частности его номер «Джим Кроу» — музыкальная композиция и танец, имитирующие негритянский стиль. Популярность этого номера была столь широка, что Райс взял себе псевдоним «Джим Кроу» и гастролировал по Америке и Европе. По его следам в 1830-е гг. К середине 1840-х гг. Менестрели пародировали жизнь и манеры негров, зачастую представляя их самым неприглядном образом в виде ленивых, глупых и бахвальных рабов.
Юмор шоу был резким с использованием игры слов; нередкой была сатира на текущую политику от лица простоватого невольника. Самих негров среди менестрелей практически не было, лишь с середины 1850-х гг. Парадоксальным образом, они также гримировали себе лицо, делая его похожим на театральную маску. Негритянские менестрель-шоу также собирали публику, желавшую увидеть представление настоящих негров. Однако изначально расистский характер менестрель-шоу препятствовал его развитию среди негров-исполнителей. С всё более возрастающими аболиционистскими тенденциями в североамериканском обществе менестрель-шоу оказывались в этом свете проводником идей рабства. В то же самое время, во многих штатах Юга шоу менестрелей постепенно стали запрещаться, так как там они ассоциировались с развлечением северян. Во время Гражданской войны индустрия менестрель-шоу стала приходить в упадок: к этому времени популярность набирали схожие жанры варьете, водевиля и музыкальные комедии. Гастроли небольших трупп менестрелей отодвинулись дальше к периферии. В то же время в Нью-Йорке жанр менестрелей преобразовался в громадные, богато декорированные шоу с участием иностранных акробатов и др.
В 1870-е гг. К началу XX века жанр менестрель-шоу окончательно изжил себя и продолжал существовать лишь в сельской местности южных штатов. К 1919 году остались лишь три значительные труппы менестрелей. Мимы — у античных греков и римлян сценические представления массового характера во вкусе зрителей из низших слоев — выступления акробатов, фокусников и т. Актёры в этом виде театра тоже назывались мимами. Зародившись среди широких народных масс в разных местах Греции, этот фольклорный жанр получил впервые литературную обработку у греческих колонистов на юге Италии и в Сицилии; это были веселые сценки с бойким диалогом, выхваченные из быта мелких ремесленников, поселян и близких к ним слоев; их литературная обработка показывает интерес к этому массовому жанру и образованных верхов. В это время мимы создаются не для сцены, а лишь для занимательного чтения и входят в орбиту интересов не только ремесленных, но и высших социальных слоев. Специалистом-мимографом был Геронд, писавший «холиямбами». Если у Герронда по-видимому смазывается классовая заостренность Мимов, то у других мимографов этого периода мимы явно обращаются в орудие борьбы с господствующими классами. Большое распространение мимы получили и в древнем Риме.
Давно процветая на юге Италии и бытуя в Риме как низовой массовый театр, мимы прочно овладели сценой к концу II и в I в. Известны литературно обработанные мимы сирийского раба Публилия и Децима Лаберия, которому покровительствовал опиравшийся на демократию диктатор Юлий Цезарь. Отражая быт мелких ремесленников, эти мимы часто направлены против господствующих классов — крупных землевладельцев и др. Самые скабрезные сюжеты были здесь преобладающими. Традиционным персонажем мима был дурак, осыпаемый всякой бранью; в текст часто врывался импровизационный элемент на злобу дня. Как классовый жанр низов римский мим и писался на языке этих слоев со всеми вульгаризмами и жаргоном городских таверн. Новые особенности характеризуют мима в эпоху цезаризма. Под эгидой государства, стремящегося отвлечь демократические слои от борьбы с господствующими классами, мимы расширяются в сложное представление, так называемую «мимическую ипотезу», которая дается в больших театрах и субсидируется правительством. Эти «ипотезы» были лишены прежней классовой заостренности мимов; это была написанная прозой вперемежку со стихами ультранатуралистическая авантюрная драма с превращениями, различными чудесами, пропитанная грубой эротикой и другими средствами для привлечения неприхотливого зрителя. Здесь выступали певцы, танцоры, даже дрессированные животные; актёры играли без масок, актрисы выступали часто совсем обнаженные, вызывая этим впоследствии нападки христианских писателей.
Грандиозный социальный катаклизм V века нашей эры, положивший конец существованию Римской империи, не повлек за собой исчезновения римского мима. Его история продолжалась и в последующие века, отмеченные переходом от рабовладельческого строя к феодализму, от античной «языческой» культуры к средневековой христианской. Но остаточные формы римского мима получили в новой социальной обстановке качественно новый характер. По мере усиления в бывшей Римской империи её «варваризации», выражавшейся в «обратном» движении от сложной системы менового хозяйства к простым формам хозяйства натурального, постепенно отпадают материальные предпосылки для существования мимической ипотезы, этого последнего большого театрального жанра античности. Римские актёры, приспособляясь к новым хозяйственно-общественным условиям, растекаются по «варварским» странам, возвращаясь к исконному бродяжничеству. Вместе с тем традиции римских мимов несомненно сочетались в новых варварских странах с искусством местных германских певцов-скоморохов, скопов или глиманов. Только в результате усвоения и переработки туземными скоморохами «культурного наследия» римских мимов и образовалось типичное для феодального Средневековья жонглерство, окончательно оформившееся к IX в. Данная информация резко противоположна известной теории немецкого учёного Эмиля Рейха, выводившего непосредственно из римского мима все народно-комическое творчество средневековой и новой Европы, а также Азии и Африки. Видя в миме исконное зерно комического изображения обыденной жизни, одинаковое во всех странах в силу однородности быта порождающих его социальных низов, Рейх утверждал, что эта народно-комическая стихия лежит в основе всей мировой драмы, поскольку она не «классична», то есть не основана на сознательном подражании литературной драме античности. Согласно данной теории, мим имеет несомненное сходство как со средневековым фарсом, так и с «Учёной комедией».
Отсюда и различный характер связи этих жанров с мимами. В первом случае создатели фарса — ремесленники средневекового города — использовали для своего самодеятельного комедийного творчества традиционную технику скоморошьих действ, впитавших в себя «культурное наследие» римских мимов; одновременно с этим некоторые элементы мимов проникали в фарс из средневекового крестьянского фольклора, куда они были занесены теми же жонглерами раннего Средневековья. Моноспектакль — это спектакль с единственным исполнителем. Основные виды моноспектакля: постановка монодрамы или монооперы, то есть сценического действа, изначально предназначенного для одного исполнителя. Знаменитые исполнители В. Маневский — профессиональный артист в этом жанре. Аркадий Райкин - советский эстрадный и театральный актёр, режиссёр, сценарист, юморист. Режиссер и исполнитель главной роли - Аркадий Райкин. Шмитта — с Алисой Фрейндлих. Моралите — особый вид драматического представления в Средние века и в эпоху Возрождения, в котором действующими лицами являются не люди, а аллегорические персонажи.
Уже между древнейшими мистериями почти всех стран Европы встречается представление притчи о женихе и 10 девах — моралите в зародыше. В латинской мистерии об антихристе и Римской империи, появление которой относится к царствованию Фридриха Барбароссы, между действующими лицами встречаются Церковь, Синагога, Лицемерие, Ересь и пр. Наклонность выводить на сцену такие лица особенно усиливается к концу XIII в. Тогда в сводные мистерии, в особенности ветхозаветные, входят целые ряды сцен в роде "ProcesdeParadis", то есть судбища между Милосердием и Миром, с одной стороны, Справедливостью и Правосудием, с другой — за род человеческий. Тогда же моралите выделяются в особый вид драматических представлений, цель которых — первоначально нравоучительная: отвлекать человечество от пороков к добродетели; а так как лучшее средство сделать порок ненавистным есть его осмеяние, то нравоучение моралите легко переходит в сатиру. Во Франции этот вид представлений, по-видимому, пропагандировало братство базошей. Одним из старейших моралите считается «la Farcedela Pippee», осмеивающее модников. Из наиболее серьезных моралите известно явившееся около 1475 г. Moralite dubienadviseetdumaladvise», развивающее мысль о двух путях — добродетели и порока; в заключение bienadvise попадает в царство небесное, а его соперник — в ад. К концу XV в.
В начале XVI в. В 1507 г. Еще популярней и влиятельней этот род представлений был в Англии, где моралите вскоре перерождаются в комедию нравов. Отначала XV в. От времени Генриха VII дошел целый ряд моралите, таких же серьезных и назидательных: к той же эпохе относится и «Чародей» Скельтона, где, кроме аллегорических фигур, действуют и «типы» — Вызыватель духов и Нотариус. От первых лет Генриха VIII мы имеем весьма популярное моралите «Гик Скорнер» неизвестного автора, где нравоописательный и сатирический элементы еще сильнее. Так как моралите по природе своей — вид поэзии весьма подвижной и свободной, то именно через их посредство театр принимает участие в религиозной борьбе того времени: мы имем рядом моралите «EveryMan», которое посредством талантливой драматизации известной притчи об испытании друзей проводит католическую идею оправдания посредством добрых дел, и «LustyJuventus», защищающее протестантское учение об оправдании верой и изображающее победу Новой Веры над Превратным Учением, скрывающим от народа Евангелие. Протестантскую тенденцию еще с большей энергией проводит моралите Натаниэля Вудса «Борьба с совестью». Некоторые моралите той же эпохи проводят идею о необходимости гуманистической науки; были моралите и с чисто политической тенденцией. Чем дальше, тем все большее значение получали в моралитэ живые лица, превращающие аллегорию в настоящую национальную драму.
Из постоянных «типов» моралите доживает до шекспировской эпохи Порок, одетый в шутовской костюм, постоянно сопровождающий дьявола, чтобы дурачить его, и, в конце концов попадающий в преисподнюю. В позднейшее время пережитком моралите являются фамилии действующих лиц комедии, указывающие на их свойства. Мюзик-холл — развлекательный жанр, который был моден между 1850 и 1960 годами. Термин может относиться к: самой форме развлечения; театру, в котором происходит действие; виду популярной музыки, связанной с этим понятием. Мюзик-холлы явились результатом развития салунов и пабов в 1830-х. Одним из наиболее известных салонов был GrecianSaloon, открытый в 1825, на севере Лондона. Позже он стал известен как GrecianTheatre, в возрасте 14 лет в 1884 году в нём дебютировала Мэри Ллойд. Мюзик-холлы в современном понимании появились в 1850-х, и появлялись, как правило, на базе пабов. Они отличались от театров тем, что в них можно было, скажем, сидеть на столе и распивать алкоголь, курить табак во время просмотра шоу. Первым мюзик-холлом принято считать Кентербери Мюзик-холл, располагающийся по адресу Вестминстер-Бридж-роуд, 143, построенный Чарльзом Мортоном, позднее названного «Отцом Залов».
Он открылся 17 мая 1852 года: про эту дату говорят «наиболее знаменательная дата в истории всех мюзик-холлов». В 1852 году зал выглядел как многие другие пабы, но был расширен в 1854 до беспрецедентных размеров. Он был ещё сильнее отстроен в 1859, позже перестроен как театр, в 1942 здание уничтожила бомба. Другим ранним мюзик-холлом был Middlesex. Позднее преобразованный в театр, он был снесён в 1965. С увеличением количества синдикатов, контролировавших мюзик-холлы, нарастало напряжение между их владельцами и работниками. Идея распространилась; забастовка длилась около двух недель и стала известна как «Война варьете». Большинство требований бастовавших в итоге было удовлетворено, в том числе — установка минимальной рабочей платы и максимальной рабочей недели работников. Многие звёзды варьете, такие, как Мэри Ллойд, Артур Робертс, Джо Элвин и Гус Элен, поддерживали забастовку, несмотря на то, что сами зарабатывали достаточно, чтобы не быть в ней материально заинтересованными. Мюзикл — музыкально-сценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, музыка, важную роль играет хореография.
Сюжеты часто берутся из известных литературных произведений, из мировой драматургии. Большое влияние на мюзикл оказали многие жанры: оперетта, комическая опера, водевиль, бурлеск. Как отдельный жанр театрального искусства долгое время не признавался. Мюзикл — жанр, как правило, сложный в постановочном отношении и потому дорогой. Многие бродвейские мюзиклы славятся своими спецэффектами, что возможно только в условиях стационарного мюзикла, где спектакли идут ежедневно в течение многих лет, пока они пользуются успехом у публики. В России пример такого наиболее успешного стационарного мюзикла — «Юнона и Авось». Мюзикл — один из наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием тем для постановки, неограниченностью в выборе средств выражения для актеров. По форме мюзикл чаще всего представляет собой двухактовый спектакль. Опера — жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки.
Литературная основа оперы — либретто. Опера появилась в Италии, в мистериях, то есть духовных представлениях, в которых эпизодически вводимая музыка стояла на низкой ступени. Духовная комедия: «Обращение св. Павла», Беверини, представляет уже более серьёзный труд, в котором музыка сопровождала действие с начала до конца. В середине XVI века большой популярностью пользовались пасторали или пастушеские игры, в которых музыка ограничивалась хорами, в характере мотета или мадригала. В «Amfiparnasso», ОрациоВекки хоровое пение за сценой, в форме пятиголосного мадригала, служило для сопровождения игры актёров на сцене.
Их часто устраивали поэты-трубадуры, барды и менестрели. А в XVIII веке появились чтецкие и творческие вечера, а также мелодекламации, которые, в отличие от других представлений, использовали музыку.
Исполнители читали стихотворные и прозаические отрывки, стараясь попасть в ритм мелодии. Однако эти выступления не называли моноспектаклями. Слово появилось позднее — в XX веке. Оно образовалось от уже существовавшего в русском языке термина спектакль от латинского spectaculum — вид, зрелище при помощи корня моно-, который в переводе с греческого означает «один».
Основным посылом современной комедии является высмеивание каких-либо пороков, общества, людей, разыгрывание неожиданных смешных ситуаций, когда герои, выходят из комичных ситуаций и при этом стараются всячески рассмешить зрителя, заставить его смеяться. Сюжетная линия комедии обычно несложная, возвышенные материи не затрагиваются, но тем не менее, принижать значение этого жанра нельзя, он нацелен на раскрытие комических сторон нашей жизни.
Жанр, в основе которого лежит раскрытие сильных чувств и переживаний героев, например, сильной любви или ненависти, борьба добра со злом, и других противоположных понятий. В основе сюжета мистерии лежат необычные, загадочные события и явления, некая тайна, которую нужно разгадать главным героям. Этот жанр появился в ответ на запрет изменять канон религиозных представлений, который был издан в 13 веке, когда церковь запретила играть на паперти религиозные драмы. С тех пор этот жанр используется там, где нужно внести в повествование элементы нереальности происходящего.
Что такое театральное представление?
Что это? Наступает тишина, и только слышно, как далеко в саду топором стучат по дереву" А. Чехова "Вишневый сад«.
К тому же, всё повествование пронизано сатирой.
Больше об актерском мастерстве, речи и театральной жизни в нашем телеграм-канале. Всем подписавшимся — гайд по насмотренности от худрука Part Academy Тани Вайнштейн Подписаться Мелодрама Слово «мелодрама» образовано из двух составляющих: «melos» — «музыка», «drama» — «действие». Так, мелодрама является видом театральных постановок, который предполагает изображение чувств, эмоций, переживаний персонажа.
Также в мелодраме есть благородный герой, который обычно противостоит злу. Водевиль Этот вид театрального искусства представляет собой комедийную постановку с танцами, песнями-куплетами, которые высмеивают нарушения общественных норм жадность, недоброжелательность и т. Высмеивание осуществляется исключительно в добром ключе.
Появился водевиль во Франции. Трагедия Этот жанр театральных постановок - один из самых древних и серьёзных. Основан на резком противостоянии главного персонажа с обществом, государством, окружающим миром.
Как правило, имеет место трагическая концовка, которая ознаменована гибелью персонажа. События преподносятся остро, стремительно. Мим Мим — это античный жанр театрального искусства.
В театрах, где проводятся драматические представления, используются различные техники и приемы, чтобы привлечь зрителей и передать смысл произведения. Это может быть использование особых декораций, света, звуков и т. Одним из традиционных жанров драматических представлений является театральное пространство, где зрители сидят на площадке вокруг актеров и участвуют в представлении. В современном театре, однако, все условия для зрителей создаются на уровне техник, что позволяет им наслаждаться представлением, не отвлекаясь на внешние факторы. Трагедия Драма Фарс Таким образом, драматические представления давно занимают важное место в культурной жизни людей. Они отражают историю и культуру общества и приносят огромную пользу для развития творческих способностей и воображения зрителей. Комедийные представления Комедийные представления — это театральные произведения, основной задачей которых является вызов смеха у зрителей. Такие представления могут быть как сценическими, так и кинофильмами, а также телесериалами.
Однако наиболее популярными они остаются именно в театре. Комедии делятся на несколько типов в зависимости от степени их остроты: от слабой и милой, до сатирической и ядовитой. Однако, все они должны быть наполнены смехом и хорошим настроением для зрителей. Одним из самых популярных жанров комедийных представлений являются мюзиклы. Они включают в себя не только шутки и юмористические сцены, но и песни и танцы. Такие представления отличаются особой яркостью и энергией, которая передается зрителям. Они могут быть приятными и легкими, но иногда также затрагивают серьезные проблемы жизни. Важным элементом комедийных представлений является актерское мастерство.
Хороший актер должен быть способен передать эмоции и чувства зрителям, вызвать у них симпатию или возмущение. Кроме того, актер должен быть остроумным и шутливым, уметь вытаскивать из ситуации самое забавное и неожиданное. Комедийные представления являются важной частью театрального искусства. Они позволяют зрителям расслабиться, получить хорошее настроение и забыть обо всех проблемах жизни. Мюзиклы и оперетты Мюзиклы и оперетты являются жанрами театрального искусства, которые объединяют в себе музыкальное и драматическое искусство.
В опере «Золотой петушок» Н.
Римского-Корсакова 1907 «первый» план обозначен лишь Введением и Заключением, в которых используется лейтмотив Звездочёта. В балете «Петрушка» И. Стравинского 1911 кукольная комедия, представленная в балагане фокусника, перерастает в «настоящую» драму. Опубликовано 24 мая 2022 г. Последнее обновление 24 мая 2022 г. Связаться с редакцией.
Театральный словарик
Мантия зеленого цвета или длинный, доходивший до пят пурпурный царский плащ, богато украшенный золотой каймой, служили накидкою. У других лиц, не представлявших царей, плащ короче, красного цвета, вышитый золотом, сверху же высокий, богато вышитый пояс??????????? Прорицатели имели сверх хитона шерстяную сетчатую одежду. Сверх хитона надевали на грудь нечто вроде фуфайки??????? В такой фуфайке являлись цари, как Атрей, Агамемнон и др. Дионис имел пурпурный хитон, небрежно прикрепленный на плече пестрою повязкою или шнуром, сверх хитона была накинута тонкая, шафранового цвета кисейная одежда; в руке он держал тирсовый жезл. Одеянием царицы служили: пурпурное платье со шлейфом????? Несчастные, особенно беглецы, были одеты в грязновато-белые или черные платья. Ко всему этому присоединялись еще мечи, жезлы, копья, луки, колчаны, герольдские жезлы, палицы, кинжалы, лезвие которых при ударе входило в рукоятку, и другие предметы, необходимые для героев и лиц трагедии и соответствующие их ролям.
Разные шкуры оленей, коз и козлов и грубые и пестрые рубахи, по известиям древних, служили одеянием сатиров и силенов. Кроме того, вся фигура актера в трагедии увеличивалась в длину и объеме, смотря по возрасту и ролям, посредством котурна см. Одежда актеров древней комедии была по возможности обыкновенного покроя, напротив, в средней и новой комедии, подобно трагедии, были определенные, неменявшиеся костюмы. Мужчины носили белый хитон, юноши — красный, рабы — пестрый и сверху пестрый же плащ, крестьяне — тулуп или косматый хитон и ранец или хитон и палку, сводники — крашеный хитон и пестрый плащ. Старухи носили голубое или темно-желтое платье, жрицы и девушки — белое; матери гетер и сводни имели на голове красную повязку и т. К этим костюмам трагедии и комедии принадлежала также маска,???????? Ее значение и происхождение находится также в связи с праздниками Диониса. В эти праздники вымазывали себе для забавы лица сначала винными дрожжами, а впоследствии, уже более по правилам искусства, суриком или же покрывали его листьями и масками из древесной коры; мало-помалу самa потребность и успехи в искусстве повели к изобретению масок из холста, которые разрисовывались сообразно с характером роли. Благодаря этим маскам греческому сценическому искусству недоставало, конечно, живой и выразительной мимики; но, если принять во внимание большие размеры греческого театра, позволявшие, может быть, довольно ясно слышать, но не так ясно видеть то, что происходило на сцене, то нельзя не прийти к тому убеждению, что маска не могла особенно вредить мимическому искусству даже в его дальнейшем развитии.
По мнению древних, маски должны были служить усилению голоса актера. С греческой сцены маска перешла и на римскую. По преданию, Эсхил первый дал своим актерам более художественную сценическую маску; она покрывала не только лицо, но и всю голову. В цвете волос были также определенные различия. Молодые лица и богини имели светло-русые волосы и голубые глаза; люди более пожилые — темные волосы, старцы — белые, боги подземного царства — черные. У лиц, представлявших важных особ, волосы поднимались высоко над лбом и спускались локонами по обеим сторонам затылка. Борода была густая и окладистая. Форма маски и вид волос хоревтов соответствовал общечеловеческим формам и местным обычаям; в сатирической драме хор надевал маски Сатиров и Силенов. Маски древней комедии представляли лиц такими, какими они были в действительной жизни, но в несколько смешном виде, каким был вообще и весь костюм.
Если хор представлял толпу мужчин или женщин, то он, конечно, надевал маски с человеческими очертаниями, но со свойственными комедии преувеличениями, доходившими до карикатуры. Однако и там, где в комедии выводились на сцену хоры зверей, они должны были сохранять человеческий вид; костюмировка могла обыкновенно относиться только к маске. Так, напр. В комедии «Птицы» маски были с длинными клювами, с хохлами, гребнями и бородками, смотря по породе птицы. Новая комедия, пародировавшая частную жизнь, имела целый ряд характерных масок. Маски, как уже раньше замечено, перешли с греческой сцены на римскую.
Своей вершины жанр мелодрамы достиг в творчестве обоих Дюма — как отца, так и сына.
Значительную популярность имела мелодрама и в английском театре: М. Льюис, Т. Холкрофт, Д. Джерролд, Э. Булвер-Литтон и др. В начале 19 в. Параллельно, в пьесах драматургов Н.
Кукольника, Н. Полевого, Р. Зотова, П. Ободовского возникла и русская мелодрама, пользовавшаяся огромной популярностью у всех классов и сословий. Мелодраматические спектакли с одинаковым успехом шли на сценах императорских театров и ярмарочных балаганов, собирая полные залы и постоянно присутствуя в репертуаре наряду с комедиями и трагедиями. На новый виток своего развития в России мелодрама вышла в первые послереволюционные годы. Этому, несомненно, способствовала ясность и однозначность моральной позиции жанра — в эпоху тотального формирования новой идеологической позиции общества к сложности и полутонам иных жанров власть относилась с большой опаской.
Предпринимались попытки внедрения в раннюю советскую мелодраму социальных мотивов, чтобы поставить жанр на службу идеям революции. Особенно примечательно, что первый нарком культуры молодой советской республики, А. Луначарский, как драматург работал исключительно в жанре мелодрамы. Позже, с официально признанным направлением «социалистического реализма» и требованиями «крупномасштабной» тематики театрального искусства, жанр мелодрамы в Советском Союзе стал считаться «низким» и «второстепенным». Мейерхольда — Дама с камелиями и др. Однако в целом мелодрама переживала период забвения; на материале советского периода скорее можно говорить лишь о мелодраматических мотивах некоторых пьес, причем — драматургов не самого высокого уровня. Пожалуй, единственным исключением из сложившегося отношения к мелодраме в советский период стало творчество драматурга А.
Арбузов последовательно работал в жанре мелодрамы на протяжении всей своей творческой жизни, отстаивая его принципы не только в пьесах, но и в статьях и интервью. Правда, в пьесах А. Арбузова авторский жанр, как правило, обозначался иначе — «драма», «драматическая хроника», «диалоги». Тем не менее, именно драматургию А. Арбузова можно считать ярким примером целенаправленной изящной разработки мелодраматического жанра. В современном театре, с его тенденцией смешения жанров и развития многообразных межжанровых течений, мелодрама практически не встречается. Это вполне закономерно: наивность как мировоззренческая категория уходит в прошлое; черно-белые краски окружающей действительности, так свойственные мелодраме, уступили место многоцветной и пестрой картине мира.
Показательно, что даже пьесы А. Арбузова, до сих пор появляющиеся в репертуаре современных театров, переосмысливаются режиссерами в совершенно иных жанрах — трагикомедии, драмы, трагедии. Менестрель-шоу или минстрел-шоу — форма американского народного театра XIX века, в котором загримированные под негров белые актёры разыгрывали комические сцены из жизни негров, а также исполняли стилизованную музыку и танцы африканских невольников. Несмотря на то, что традиция гримироваться под негров имела место среди домашних спектаклей белых переселенцев в Америке ещё в конце XVII века, как цельная форма развлекательного искусства менестрель-шоу развились в конце 1820-х гг. Толчок к популярности менестрель-шоу дали представления Томаса Дартмута Райса, в частности его номер «Джим Кроу» — музыкальная композиция и танец, имитирующие негритянский стиль. Популярность этого номера была столь широка, что Райс взял себе псевдоним «Джим Кроу» и гастролировал по Америке и Европе. По его следам в 1830-е гг.
К середине 1840-х гг. Менестрели пародировали жизнь и манеры негров, зачастую представляя их самым неприглядном образом в виде ленивых, глупых и бахвальных рабов. Юмор шоу был резким с использованием игры слов; нередкой была сатира на текущую политику от лица простоватого невольника. Самих негров среди менестрелей практически не было, лишь с середины 1850-х гг. Парадоксальным образом, они также гримировали себе лицо, делая его похожим на театральную маску. Негритянские менестрель-шоу также собирали публику, желавшую увидеть представление настоящих негров. Однако изначально расистский характер менестрель-шоу препятствовал его развитию среди негров-исполнителей.
С всё более возрастающими аболиционистскими тенденциями в североамериканском обществе менестрель-шоу оказывались в этом свете проводником идей рабства. В то же самое время, во многих штатах Юга шоу менестрелей постепенно стали запрещаться, так как там они ассоциировались с развлечением северян. Во время Гражданской войны индустрия менестрель-шоу стала приходить в упадок: к этому времени популярность набирали схожие жанры варьете, водевиля и музыкальные комедии. Гастроли небольших трупп менестрелей отодвинулись дальше к периферии. В то же время в Нью-Йорке жанр менестрелей преобразовался в громадные, богато декорированные шоу с участием иностранных акробатов и др. В 1870-е гг. К началу XX века жанр менестрель-шоу окончательно изжил себя и продолжал существовать лишь в сельской местности южных штатов.
К 1919 году остались лишь три значительные труппы менестрелей. Мимы — у античных греков и римлян сценические представления массового характера во вкусе зрителей из низших слоев — выступления акробатов, фокусников и т. Актёры в этом виде театра тоже назывались мимами. Зародившись среди широких народных масс в разных местах Греции, этот фольклорный жанр получил впервые литературную обработку у греческих колонистов на юге Италии и в Сицилии; это были веселые сценки с бойким диалогом, выхваченные из быта мелких ремесленников, поселян и близких к ним слоев; их литературная обработка показывает интерес к этому массовому жанру и образованных верхов. В это время мимы создаются не для сцены, а лишь для занимательного чтения и входят в орбиту интересов не только ремесленных, но и высших социальных слоев. Специалистом-мимографом был Геронд, писавший «холиямбами». Если у Герронда по-видимому смазывается классовая заостренность Мимов, то у других мимографов этого периода мимы явно обращаются в орудие борьбы с господствующими классами.
Большое распространение мимы получили и в древнем Риме. Давно процветая на юге Италии и бытуя в Риме как низовой массовый театр, мимы прочно овладели сценой к концу II и в I в. Известны литературно обработанные мимы сирийского раба Публилия и Децима Лаберия, которому покровительствовал опиравшийся на демократию диктатор Юлий Цезарь. Отражая быт мелких ремесленников, эти мимы часто направлены против господствующих классов — крупных землевладельцев и др. Самые скабрезные сюжеты были здесь преобладающими. Традиционным персонажем мима был дурак, осыпаемый всякой бранью; в текст часто врывался импровизационный элемент на злобу дня. Как классовый жанр низов римский мим и писался на языке этих слоев со всеми вульгаризмами и жаргоном городских таверн.
Новые особенности характеризуют мима в эпоху цезаризма. Под эгидой государства, стремящегося отвлечь демократические слои от борьбы с господствующими классами, мимы расширяются в сложное представление, так называемую «мимическую ипотезу», которая дается в больших театрах и субсидируется правительством. Эти «ипотезы» были лишены прежней классовой заостренности мимов; это была написанная прозой вперемежку со стихами ультранатуралистическая авантюрная драма с превращениями, различными чудесами, пропитанная грубой эротикой и другими средствами для привлечения неприхотливого зрителя. Здесь выступали певцы, танцоры, даже дрессированные животные; актёры играли без масок, актрисы выступали часто совсем обнаженные, вызывая этим впоследствии нападки христианских писателей. Грандиозный социальный катаклизм V века нашей эры, положивший конец существованию Римской империи, не повлек за собой исчезновения римского мима. Его история продолжалась и в последующие века, отмеченные переходом от рабовладельческого строя к феодализму, от античной «языческой» культуры к средневековой христианской. Но остаточные формы римского мима получили в новой социальной обстановке качественно новый характер.
По мере усиления в бывшей Римской империи её «варваризации», выражавшейся в «обратном» движении от сложной системы менового хозяйства к простым формам хозяйства натурального, постепенно отпадают материальные предпосылки для существования мимической ипотезы, этого последнего большого театрального жанра античности. Римские актёры, приспособляясь к новым хозяйственно-общественным условиям, растекаются по «варварским» странам, возвращаясь к исконному бродяжничеству. Вместе с тем традиции римских мимов несомненно сочетались в новых варварских странах с искусством местных германских певцов-скоморохов, скопов или глиманов. Только в результате усвоения и переработки туземными скоморохами «культурного наследия» римских мимов и образовалось типичное для феодального Средневековья жонглерство, окончательно оформившееся к IX в. Данная информация резко противоположна известной теории немецкого учёного Эмиля Рейха, выводившего непосредственно из римского мима все народно-комическое творчество средневековой и новой Европы, а также Азии и Африки. Видя в миме исконное зерно комического изображения обыденной жизни, одинаковое во всех странах в силу однородности быта порождающих его социальных низов, Рейх утверждал, что эта народно-комическая стихия лежит в основе всей мировой драмы, поскольку она не «классична», то есть не основана на сознательном подражании литературной драме античности. Согласно данной теории, мим имеет несомненное сходство как со средневековым фарсом, так и с «Учёной комедией».
Отсюда и различный характер связи этих жанров с мимами. В первом случае создатели фарса — ремесленники средневекового города — использовали для своего самодеятельного комедийного творчества традиционную технику скоморошьих действ, впитавших в себя «культурное наследие» римских мимов; одновременно с этим некоторые элементы мимов проникали в фарс из средневекового крестьянского фольклора, куда они были занесены теми же жонглерами раннего Средневековья. Моноспектакль — это спектакль с единственным исполнителем. Основные виды моноспектакля: постановка монодрамы или монооперы, то есть сценического действа, изначально предназначенного для одного исполнителя. Знаменитые исполнители В. Маневский — профессиональный артист в этом жанре. Аркадий Райкин - советский эстрадный и театральный актёр, режиссёр, сценарист, юморист.
Режиссер и исполнитель главной роли - Аркадий Райкин. Шмитта — с Алисой Фрейндлих. Моралите — особый вид драматического представления в Средние века и в эпоху Возрождения, в котором действующими лицами являются не люди, а аллегорические персонажи. Уже между древнейшими мистериями почти всех стран Европы встречается представление притчи о женихе и 10 девах — моралите в зародыше. В латинской мистерии об антихристе и Римской империи, появление которой относится к царствованию Фридриха Барбароссы, между действующими лицами встречаются Церковь, Синагога, Лицемерие, Ересь и пр. Наклонность выводить на сцену такие лица особенно усиливается к концу XIII в. Тогда в сводные мистерии, в особенности ветхозаветные, входят целые ряды сцен в роде "ProcesdeParadis", то есть судбища между Милосердием и Миром, с одной стороны, Справедливостью и Правосудием, с другой — за род человеческий.
Тогда же моралите выделяются в особый вид драматических представлений, цель которых — первоначально нравоучительная: отвлекать человечество от пороков к добродетели; а так как лучшее средство сделать порок ненавистным есть его осмеяние, то нравоучение моралите легко переходит в сатиру. Во Франции этот вид представлений, по-видимому, пропагандировало братство базошей. Одним из старейших моралите считается «la Farcedela Pippee», осмеивающее модников. Из наиболее серьезных моралите известно явившееся около 1475 г. Moralite dubienadviseetdumaladvise», развивающее мысль о двух путях — добродетели и порока; в заключение bienadvise попадает в царство небесное, а его соперник — в ад. К концу XV в. В начале XVI в.
В 1507 г. Еще популярней и влиятельней этот род представлений был в Англии, где моралите вскоре перерождаются в комедию нравов. Отначала XV в. От времени Генриха VII дошел целый ряд моралите, таких же серьезных и назидательных: к той же эпохе относится и «Чародей» Скельтона, где, кроме аллегорических фигур, действуют и «типы» — Вызыватель духов и Нотариус. От первых лет Генриха VIII мы имеем весьма популярное моралите «Гик Скорнер» неизвестного автора, где нравоописательный и сатирический элементы еще сильнее. Так как моралите по природе своей — вид поэзии весьма подвижной и свободной, то именно через их посредство театр принимает участие в религиозной борьбе того времени: мы имем рядом моралите «EveryMan», которое посредством талантливой драматизации известной притчи об испытании друзей проводит католическую идею оправдания посредством добрых дел, и «LustyJuventus», защищающее протестантское учение об оправдании верой и изображающее победу Новой Веры над Превратным Учением, скрывающим от народа Евангелие. Протестантскую тенденцию еще с большей энергией проводит моралите Натаниэля Вудса «Борьба с совестью».
Некоторые моралите той же эпохи проводят идею о необходимости гуманистической науки; были моралите и с чисто политической тенденцией. Чем дальше, тем все большее значение получали в моралитэ живые лица, превращающие аллегорию в настоящую национальную драму. Из постоянных «типов» моралите доживает до шекспировской эпохи Порок, одетый в шутовской костюм, постоянно сопровождающий дьявола, чтобы дурачить его, и, в конце концов попадающий в преисподнюю. В позднейшее время пережитком моралите являются фамилии действующих лиц комедии, указывающие на их свойства. Мюзик-холл — развлекательный жанр, который был моден между 1850 и 1960 годами. Термин может относиться к: самой форме развлечения; театру, в котором происходит действие; виду популярной музыки, связанной с этим понятием. Мюзик-холлы явились результатом развития салунов и пабов в 1830-х.
Одним из наиболее известных салонов был GrecianSaloon, открытый в 1825, на севере Лондона. Позже он стал известен как GrecianTheatre, в возрасте 14 лет в 1884 году в нём дебютировала Мэри Ллойд. Мюзик-холлы в современном понимании появились в 1850-х, и появлялись, как правило, на базе пабов. Они отличались от театров тем, что в них можно было, скажем, сидеть на столе и распивать алкоголь, курить табак во время просмотра шоу. Первым мюзик-холлом принято считать Кентербери Мюзик-холл, располагающийся по адресу Вестминстер-Бридж-роуд, 143, построенный Чарльзом Мортоном, позднее названного «Отцом Залов». Он открылся 17 мая 1852 года: про эту дату говорят «наиболее знаменательная дата в истории всех мюзик-холлов». В 1852 году зал выглядел как многие другие пабы, но был расширен в 1854 до беспрецедентных размеров.
Он был ещё сильнее отстроен в 1859, позже перестроен как театр, в 1942 здание уничтожила бомба. Другим ранним мюзик-холлом был Middlesex. Позднее преобразованный в театр, он был снесён в 1965. С увеличением количества синдикатов, контролировавших мюзик-холлы, нарастало напряжение между их владельцами и работниками. Идея распространилась; забастовка длилась около двух недель и стала известна как «Война варьете». Большинство требований бастовавших в итоге было удовлетворено, в том числе — установка минимальной рабочей платы и максимальной рабочей недели работников.
Вступление является началом театрального выступления и представляет собой короткую форму введения в сценический мир. В зависимости от того, каким способом вступление осуществляется, оно может иметь разные названия. Увертюра — это оркестровое вступление к первому акту, интрада — это короткая пьеса, использующаяся в качестве вступления в музыкальном представлении, а прелюдия — это небольшое произведение импровизационного характера, использующееся перед основным выступлением. Работа в театре В театре работает множество людей, нужных для создания и организации выступления.